blacksoap

Der einmalige Lux Interior ist gestorben.

blacksoap — Thu, 05 Feb 2009 13:17:51 +0000

Diesen Mittwoch, den 4.02.2009 starb völlig plötzlich Lux Interior an einer Aortendissektion. Er war der größte Entertainer, den ich je auf einer Bühne gesehen habe.

In Erinnerung an ihn hier eine Review des letzten veröffentlichten Albums der Cramps „How To Make A Monster“. Ich denke, sie funktioniert auch als Nachruf.

THE CRAMPS
How To Make A Monster
Vengeance

Dieser wunderbare Schatz von einer Doppel-CD veranschaulicht auf rockenden 143 Minuten (!) die Entstehungsgeschichte einer der besten Rock’n’Roll-Bands aller Zeiten von 1976 bis in die späten 80er. Es ist in erster Linie eine Geschichte unbeirrbarer Liebe. Liebe zu einer Musik die unbegrenzte, wilde Sexualität zum Inhalt hatte und natürlich die Liebe der beiden Protagonisten Lux Interior und Poison Ivy selbst, die bis heute dem 2-köpfigen Rockmonster das sie Mitte der Siebziger aus dem Nichts heraus geschaffen haben neue Energie verleihen. Das bisher unveröffentlichte Material setzt sich u.a. aus frühen Demo-Versionen, Proben und einem der legendären Auftritte im New Yorker CBGB zusammen. Schon die ersten Aufnahmen von 1976, noch deutlich von Acts wie den Ramones, Suicide, den New York Dolls und Iggy & the Stooges beeinflusst, zeigen den Stilwillen der jungen Cramps der damaligen Punkbewegung etwas vollkommen neues hinzuzufügen: den in der restriktiven Atmosphäre der 50er Jahre entstandenen Rockabilly mit seinen mehr oder weniger versteckten Fokus auf Rebellion, Geilheit und Drogenmissbrauch und den darauf folgenden antisozial orientierten Punkrock der frühen 60er Jahre. Allesamt Einflüsse die im New York der damaligen Zeit nicht unbedingt auf Gegenliebe stiessen, wie man bei einem Liveauftritt im Max’s Kansas City 1977 sehr gut an den Reaktionen des Publikums heraushören kann (Wer genau zuhört, wird sogar Zeuge eines Drogendeals in der Nähe der Bühne). Bei den Studioaufnahmen handelt es sich keinesfalls um Aufgüsse der Lp-Versionen in minderer Qualtität, sondern um völlig andere Interpretationen in ständig wechselnden Line-Ups und nie veröffentlichte Songs deren Wildheit und Kraft immer noch sprachlos macht. Heraustechend ist hier die Entwicklung des Gitarrenspiels der Autodidaktin Ivy Rorschach die zuerst ihren unverwechselbaren Fuzz-Sound kreierte und sich dann erst um die Feinheiten der Melodieführung kümmerte. Das reich bebilderte Beiheft enthält einen ausführlichen Kommentar der Cramps und ist eine weiterer Pluspunkt dieser rundum gelungenen Veröffentlichung. Gerade bei einer Band in deren Namen eine derart unüberschaubare Zahl von Bootlegs vorliegt muss man „How To make A Monster“ als Triumph begreifen.

Eden Log (2007)

blacksoap — Sat, 29 Nov 2008 15:54:02 +0000

Totale Orientierungslosigkeit. Ein unangenehmer Zustand unter dem nicht wenige leiden. Manche schauen gerade deswegen Filme, um wenigstens für kurze Zeit der Illusion zu erliegen, dass irgendetwas nach Plan läuft. „Eden Log“ hat bis wenige Minuten vor Schluss keinen. Der Held, eine ungeschlachte Gestalt namens Tolbiac (Clovis Cornillac, der zukünftige Asterix-Darsteller), erwacht im schlammigen Grundwasser eines riesigen unterirdischen Gebäudes. Wie so viele Filmhelden vor ihm, weiss er nicht, wer er ist. Er weiss auch nicht, wo er ist und wegen der äußerst spärlichen Lichtverhältnisse, weiss der Zuschauer es auch nicht. Es ist auch schwierig zu erkennen, wie Tolbiac aussieht und was er tut. Klar ist nur, dass er sich durch eine Mischung aus Wurzelgestrüpp und Industrieschrott über mehrere Etagen nach oben kämpft und dabei von, ebenfalls schwer zu erkennenden, Mutanten belästigt wird. Schliesslich erweist sich die heruntergekommene Anlage als eine Art Kraftwerk, dessen Energie aus einem riesigen Baum generiert wurde. Tolbiac gelingt es mit der Pflanze eine Art spirituelle und körperliche Beziehung einzugehen.
Franck Vestiels Debüt fällt nicht nur durch seine stark parabelhafte Handlung auf, es ist ein einziger Angriff auf die Sehgewohnheiten des Publikums. Andere Filme sind düster, Eden Log ist dunkel, bis auf wenige pulsierende Lichtflecken bleibt der größte Teil der Leinwand über lange Zeit schwarz. Viele dürften das als Zumutung, andere als Innovation empfinden. Frank Vestiel meint dazu nur halb scherzhaft, dass er bedauert, dass man zum filmen überhaupt Licht braucht. Er beschränkt sich deswegen gerade am Anfang der Handlung auf winzige Lichtquellen, die den Entdeckungsgeist des Publikums heraufordern und bewußt die Anfänge der Filmtechnik reflektieren. Vestiels Stil ist dabei stark von avantgardistischen Comics von Zeichnern wie Moebius, Enki Bilal und Philippe Druillet beeinflußt und beruft sich damit übrigens auf dieselben Inspirationsquellen wie z.B. das Artdepartment von „Alien“. Das dunkle organisch wirkende Setting erinnert teilweise auch an den Monster-Klassiker, nur findet in „Eden Log“ so etwas wie Suspense oder Horror nicht statt, dafür mißachtet er die dafür erforderlichen dramaturgischen Strukturen zu sehr. Seinen Produzenten Cédric Jiminez hat Vestiel damit nicht enttäuscht. Der wollte einen „Film wie man ihn noch nie gesehen hat“. Und den hat Vestiel mit seiner konsequenten Absage an alle gängigen Bedürfnisse des Publikum auf jeden Fall abgeliefert.

So finster die Nacht (Let the right one in)

blacksoap — Sat, 29 Nov 2008 15:27:30 +0000

„Die schönste Zeit meines Lebens.“ Dieser Satz fällt erstaunlich oft, wenn Menschen sich an Ihre Schulzeit erinnern. Vor allem an die aufwühlenden präpubertären Jahre denken viele mit Wehmut zurück. Für andere aber war genau diese Zeit die Hölle. Höchstwahrscheinlich kann sich jeder an mindestens ein Kind erinnern, mit dem die Mitschüler ihre bösartigen Machtspiele trieben. Der Held des Films „So finster die Nacht“, ist so ein Prügelknabe.

Eine schwedische Trabantenstadt, Anfang der 80er. Oskar, ein ca. 12jähriger Junge von porzellanener Blässe, lebt die Erniedrigungen die ihm einige Klassenkameraden widerfahren lassen durch ritualisierte Gewaltphantasien aus. Da das einsame Scheidungskind mit niemand über seine Probleme sprechen kann, scheinen diese Träumereien die einzige Möglichkeit zu sein mit der bedrückenden Situation umzugehen. Das alles ändert sich, als der wahre Horror in dem tristen Vorort Einzug hält. Ein Junge wird abgeschlachtet und ausgeblutet. Gleichzeitig lernt Oskar ein blasses Mädchen namens Eli kennen und befreundet sich mit ihr. Doch Eli ist kein Mädchen, sondern ein Vampir, der auf äußerst profane Weise dazu gezwungen ist, sich von menschlichem Blut zu ernähren. Während seine Umwelt zu fürchten beginnt, dass sich ein gefährliches Monster in ihrer Mitte befindet, bedeutet die Freundschaft zu der Untoten für Oskar das große Glück.
Für seine Interpretation des Vampirthemas hat Tomas Alfredson einen verblüffend unsentimentalen Stil gefunden. Der großartig besetzte Film ist keine Reminiszenz an vergangene Klassiker, eine Herangehensweise, die andere Genre-Regisseure leider oft als Pflichtprogramm empfinden. Alfredson bekennt sogar offen, das er „ noch nie einen Vampirfilm gesehen“ hat. Das klingt unglaublich, bis man „So finster die Nacht“ sieht. Stille und ausgeruhte, naturalistische Bilder voller Schnee und Kälte bilden die Bühne zu einer Tragödie, die ansonsten alle Genregrenzen sprengt: Coming of age, Romantik, Horror, Rache, Komik und Trauer – alles ist drin in diesem Film, erzählt mit einer Ausgewogenheit, wie man sie nur selten erleben darf. Das zentrale Thema des Films ist allerdings die treue Freundschaft zweier Kinder, von denen eines gar keines ist und das andere nicht immer eines bleiben wird. Eine letztendlich tieftraurige Geschichte voller atemberaubender Szenen, von denen die grandiose Abschlusssequenz in einem Schwimmbad schon jetzt zu einem der Glanzlichter des gesamten Horrorgenres zählen sollte. Mindestens.

(S 2008)
R: Tomas Alfredson, D: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Peter Carlberg

Hellboy 2 – Die goldene Armee

blacksoap — Tue, 30 Sep 2008 11:26:00 +0000

Guillermo del Toro mag Monster. Schon bei seiner frühen Arbeit „Mimic“ verzichtete er zu Gunsten von unansehnlichen Riesenschaben auf eine plausible Handlung und fein gezeichnete Charaktere. Das er auch anders kann bewies er mit dem Faschismusschocker „Pans Labyrinth“, seinem neben „Cronos“ bisher ausgewogensten Monsterfilm. Bei seiner zweiten Auseinandersetzung mit Mike Mignolas kaltschnäuzigen Heldenepos siegt aber wieder die Liebe zu den Freaks über alles Formale.

Selten spürte man in einer Comicverfilmung soviel Herzblut (als genaues Gegenteil dazu kann man übrigens Christopher Nolans 2. Batman-Arbeit betrachten: selten war eine Comicverfilmung so vertrackt konstruiert). Ähnlich wie in den Comicvorlagen lässt del Toro interessante Möglichkeiten der Story einfach zur Hölle fahren und beschränkt sich darauf dem Zuschauer für knapp 2 Stunden echte Monsterfreunde zu schenken. Freunde die der ein oder andere vielleicht nach Verlassen des Theaters richtig vermissen wird. So schafft man sich Fans. Hellboy und seine Kumpane sind aber auch einfach zu putzig, selbst altmodische Deutsche in Taucheranzügen werden einem hier symphatisch. Und auch Hellboys Nemesis kann man mögen, oder wenigstens verstehen. Das kauzige, heitere, ja fast screwballartige Geplänkel der Figuren macht den Film liebenswert, doch geht das ulkige Monstersammelsurium stark auf Kosten von Spannung und Dramaturgie. Genauso schulterzuckend wie der furchtlose Hellboy, erlebt auch das Publikum das Abenteuer um einen verbitterten Elfen(?)prinz der die Schnauze verständlicherweise von uns Menschen voll hat und eine magische Roboterarmee zum Leben erwecken will, um uns endlich von der Erdoberfläche zu tilgen. Natürlich gibt es einige wirklich atemberaubende Kampfszenen und einen wirklich an die Nieren gehenden Angriff kleiner zähnefressender(!!) Monster. Das tolle an Hellboy ist ja sowieso die Tatsache, das er immer erst schrecklich auf die Fresse kriegt, bevor er seine Gegner zur Strecke bringt. In dieser Beziehung (und eigentlich auch in vielen anderen) übertrifft das Sequel den ersten Teil um Längen. Selbst mit seiner schwachen Story bleibt Hellboy II nämlich ein leidenschaftlich inszenierter romantischer Abenteuerfilm, der unter aktuellen Produktionen (man vergleiche ihn nur mit dem letzten überflüssigen Mumienfilm) seines Gleichen sucht.

A History Of Violence

blacksoap — Fri, 05 Sep 2008 18:52:15 +0000

Als Tom Stall (Viggo Mortensen), vorbildlicher Bürger einer amerikanischen Kleinstadt, zwei bizarre Raubmörder die seine Coffee-Bar amokartig überfallen wollen zur Strecke bringt ist er zunächst der Held des Tages. Seine Familie und das ganze Land sind stolz auf den Retter mehrerer Menschenleben. Leider zieht sein beherztes (und brutales) Durchgreifen auch die Aufmerksamkeit des zwielichtigen Mr. Fogaty (Ed Harris) auf sich, der den liebevollen Ehemann zu kennen glaubt und ihn als einen kaltblütigen Mörder identifiziert. Die immer bedrohlicheren Begegnungen mit dem unliebsamen Besucher zwingen Tom schliesslich zu Handlungen die seine Familie an seiner Identität zweifeln lassen.
Schon in der meisterlich inszenierten Ouvertuere von David Cronenbergs neuem Film, in der zwei Mörder auf beiläufige Weise ihrem grausamen Geschäft nachgehen macht der kanadische Erfinder des „Body Horror“ klar, das das zentrale Thema seines Films nicht eine erneute Auseinandersetzung über das Für und Wider von Gewalt ist sondern eher eine nüchterne Darstellung ihrer Wirkung auf das alltägliche Leben. Dafür erzählt Cronenberg sein Story derart geradlinig ohne Überraschungen oder Plottwists, dass man bei einer Nacherzählung glauben könnte es mit einem leicht pervertierten Vertreter des klassischen „Notwehr-Kinos“ zu tun zu haben: Ein ordentlicher Bürger wird von einer böswilligen Macht so lange bedroht bis er sich schliesslich gewalttätiger Mittel bedienen muss um sich und die Seinen zu schützen. Dieses beliebte, in unzähligen amerikanischen Filmen verwendete Muster liess in den meisten Fällen die Frage offen, ob und wie ein Normalbürger eigentlich in der Lage ist sich erfolgreich in die Mechanismen von Mord und Todschlag einzufügen.
In AHOV ist es gerade diese Problematik die die Hauptdramaturgie des Films ausmacht. Jemand der wie Tom Stall in der Lage ist so überlegen in der direkten Konfrontation mit Berufsverbrechern zu bestehen muss schon vorher zu dieser Handlungsweise Kontakt gehabt haben. Gewalt muss gelernt sein, wie jedes andere Handwerk.
Es ist vor allem Stalls Familie, der sich diese Frage aufdrängt und der die Tatsache das Tom ein Soziopath sein könnte immer schmerzlicher bewusst wird.
Glücklicherweise gibt Cronenberg dieser Familie die meiste Zeit des Films. Die intensive Inszenierung von Normalität verleiht den gezeigten Verbrechen eine frische spannende Ebene und durch ihre Spiegelung in der Sexualität der Eheleute wird ihre Ungeheuerlichkeit wirklich deutlich.
Die Darstellung der Gewalt ist, wie man bei Cronenberg erwarten kann, sehr detailliert und grafisch wobei auffallend viel Zeit für die fast dokumentarischen Aufnahmen der Leichen verwendet wird. Die körperlichen Ausseinandersetzungen sind kunstvoll und prägnant in Szene gesetzt und stellen in ihrer realistischen Härte mühelos die Exzesse von Filmen wie „Sin City“ in den Schatten.
AHOV fügt sich also trotz der klassisch anmutenden Verpackung dieses grossartig besetzten Films völlig mühelos in Cronenbergs Schaffen ein, dem nach dem finanziellen Desaster von „Spider“ ein Mainstream-Hit wirklich zu gönnen ist.

R: David Cronenberg; D: Viggo Mortensen, Maria Bello, William Hurt, Ed Harris, Ashton Holmes

KUNG FU HUSTLE (Gong Fu)

blacksoap — Thu, 04 Sep 2008 18:16:29 +0000

Stephen Chow ist ein Meister des Unsinns, sein Kino kennt auf der ewigen Suche nach dem Aberwitz weder Konventionen noch Grenzen. Kung Fu Hustle ist die Essenz dieser Suche und setzt allem, was dieser Mann in seinem Leben an radikaler Albernheit auf Celluloid gebannt hat, die Krone auf.
Dieses mal geht es nicht um Fussball, wie in Chows letzter Extravaganza „Shaolin Soccer“, sondern um Kampfkunst und die bekommt man bis in ungeahnte Höhen der Absurdität geboten. Im Setting eines Hong Kong der 30er Jahre sehnt sich Sing (Stephen Chow) verzweifelt danach Mitglied einer Bande skrupeloser axtschwingender Verbrecher zu werden. Um sich zu einem Renommé als Bad Guy zu verhelfen, versucht er ein slumartiges Wohnsilo zu tyrannisieren und löst damit eine haarsträubende Fehde zwischen den dortigen Anwohnern und der oben genannten Axt-Bande aus. Die in Folge dieses Szenarios gezeigten Auseinandersetzungen, hervorragend besetzt mit legendären Altmeistern des Genres wie Leung Siu Lung, Wah Yuen und der unglaublichen Qui Yuen, verschmelzen Over-The-Top Martial Arts mit cartoonesken Slapstickhumor dermaßen innovativ und atemberaubend, das selbst verwöhnteste Hong Kong Filmfans Bauklötzen staunen dürften. Denn Chows Humor kennt keine Rücksicht auf Verluste: Köpfe werden ungespitzt in den Boden gehämmert oder durch spezielle musikalische Virtuosität einfach sauber vom Körper getrennt, ältere Herren mit pinken Flip Flops richten orkanartige Verwüstungen an, Menschen rennen wie die Figuren aus alten Chuck Jones Cartoons und behalten dabei selbstverständlich die Zigarette im Mund. Wie ein ballistisches Präzisionwerkzeug knallt einem der Film ein kinematografisches Wunder nach dem anderen vor den Latz nur um sich im nächsten Moment auf unverschämte Weise genau darüber lustig zu machen. Was in einem ernst gemeinten Film zu einer ermüdenden Aneinanderreihung von Materialschlachten aus computergenerierten Spezialeffekten geführt haben könnte, bekommt durch Chows renitenten Nonsens eine frische mitreissende Dynamik, die dem Publikum immer fettere Köder vor die Nase hält um es knietief in den nächsten genialen Schwachsinn zu zerren. Kung Fu Hustle erinnert so in seiner formalen Freiheit manchmal an Godard, ist aber sehr viel unterhaltsamer.
Das die Mixtur so gut gelungen ist, ist kein Zufall, hatte Chow doch die erforderlichen finanziellen Mittel um sich die Créme de la Créme des chinesischen Unterhaltungskinos ins Boot zu holen. Neben dem bereits erwähnten vorzüglich gewählten Ensemble, trägt der Film an seinen witzigsten Stellen deutlich die Handschrift von Jeff Lau („Chinese Odyssey 2002“ ) der massgeblich an der Produktion beteiligt war. Die Austattung ist liebevoll bis superb und die Choreografie der Kampfszenen fand unter der Leitung von Superstars wie Yuen Wo Ping und Sammo Hung statt, die in diesem Meisterwerk schrankenloser visueller Gestaltungskraft eine würdige Plattform für ihre Kunst der schwerelosen Körper gefunden haben.

China 2004

R, B: Stephen Chow; P: Stephen Chow, Jeff Lau; D: Stephen Chow, Wah Yuen, Qiu Yuen, Suet Lam

The Host

blacksoap — Thu, 04 Sep 2008 18:08:38 +0000

Eine großstädtische Idylle in Seoul. Am Han-Fluß haben sich viele Menschen eingefunden und flanieren am Ufer entlang. Gang-du, der vertrottelte Sohn eines Imbissbetreibers, versorgt die Ausflügler mit gegrilltem Tintenfisch und Dosenbier. Ein Szenario wie es alltäglicher nicht sein könnte. Doch plötzlich entsteigt dem Fluss eine riesige, durch Chemikalien mutierte, Kreatur und beginnt wahllos Leute zu verschlingen. Nachdem das Monster Gang-dus kleine Tochter verschleppt, wollen er und seine Familie die Verfolgung aufnehmen. Doch leider stehen ihnen dabei das Militär, die Medien und einige Virologen im Weg und machen lieber Jagd auf sie, als auf das Monster.
Allein der Anfang von „The Host“ liefert, in seiner Vermischung von Realismus und Horror, einige der erschreckensden Szenen des Monsterkinos schlechthin. Und dabei ist „The Host“ noch nicht mal ein reiner Monsterfilm, sondern fokussiert sich auf die Bemühungen einer einfachen Familie sich gegen die Mechanismen staatlicher (und globaler) Problembewältigung durchzusetzen. Das Joon-Ho Bong diesen ungleichen Kampf mit den Mitteln der Satire erzählt, gehört zu den vielen Kunstgriffen, die „The Host“ über den Status einer platten Politparabel weit herausheben. Zusätzlich jongliert er noch geschickt mit den Versatzstücken verschiedenster Genres die von der Slapstickkomödie, dem Familiendrama bis zum Actionfilm und dem puren Angstkino reichen. Dabei macht der Film keine Gefangenen und zeigt rücksichtslos die Konsequenzen allgemeiner Leugnungsprozesse. Zwar ist das Monster hier auch die Manifestation eines fahrlässigen Umgangs mit der Natur, wird aber dabei nicht zum Symbol einer gesellschaftlich übergreifend akzeptierten Bedrohung, wie etwa Godzilla. Im Gegenteil! Bong zeigt den Umgang der Öffentlichkeit mit der Katastrophe als eine Melange aus Verantwortungslosigkeit, Fehlinformation, Propaganda und Hexenjagd. In dieser Hinsicht übernimmt das Monster eher eine Nebenrolle und schrumpft von der furchteinflößenden Hybris zum biologischen Phänomen, dessen Verhalten sich stark an dem realer Tiere orientiert. Was dieses Wesen natürlich umso faszinierender erscheinen lässt.
Dieses, allen voran mit Kang-ho Song, großartig besetzte Wunderwerk von einem Film ist mit seinem rührenden Familienplot, seinem kranken Humor und seinen state-of-the-art CGI-Effekten schon jetzt ein Klassiker. Die beste Satire seit Kubricks Dr. Strangelove.

(SK 2006)
R + B: Joon-Ho Bong; D: Kang-ho Song, Hae-il Park, Du-na Bae, Hie-bong Byeon

Two-Lane Blacktop / Aspaltrennen

blacksoap — Thu, 04 Sep 2008 18:02:25 +0000

„Their world is a two-lane blacktop – no beginning…no end…no speed limit!“ so lautet der Claim dieses lakonischstem aller Road-Movies, das ungeachtet seines kommerziellen Misserfolgs bis heute eine große Schar fanatischer Anhänger um sich sammeln konnte. Und die Werbezeile lügt nicht! Es gibt tatsächlich keinen Anfang, kein Ende und das markanteste Geräusch des Films sind nicht die Dialoge, sondern das Aufheulen hochtouriger Motoren. Was das Genre des Dragster-Films betrifft, geht es kaum puristischer als hier: Der „Fahrer“ (Songwriter James Taylor) und der „Mechaniker“ (Beach Boys-Schlagzeuger Dennis Wilson!) fahren mit ihrem hochfrisierten 1955er Chevy über die Route 66, immer auf der Suche nach Kontrahenten für illegale Autorennen, mit denen die beiden ihren kargen Lebensunterhalt bestreiten. Unterwegs gabeln sie „das Mädchen“ auf, eine ziellos durch die Gegend irrende Teenagerin, und treffen auf „GTO“ (Warren Oates), den Fahrer eines Pontiac GTO, den sie zu einem wirren Rennen quer durch die USA herausfordern. Ähnlich wie in Hellmans ebenfalls kultisch verehrten Acid-Western „The Shooting“ gibt es auch hier keine nennenswerte Handlung. Die eigentliche Thematik des Films ist vielmehr die einer vollkommenen Desorientierung, die sich auf den Zuschauer geradezu physisch überträgt. Hellman erreicht das mit dokumentarischem Stil und durch konsequentes Unterdrücken jeglicher Informationen, die das Verhalten der Protagonisten nachvollziehbar machen könnten. Die Figuren erzählen entweder überhaupt nichts über sich, oder sind, wie der GTO-Fahrer, zwanghafte Lügner. Man kann es dabei wohl als Kommentar auf das gängige Hollywood-Kino begreifen, dass der ständig vor sich hin schwadronierende „GTO“ von dem einzigen mitwirkenden Berufsschauspieler dargestellt wird, während der wortkarge Rest der Besetzung aus Laien besteht.

(USA 1971)

R: Monte Hellman, D: James Taylor, Warren Oates, Laurie Bird, Dennis Wilson

300

blacksoap — Thu, 04 Sep 2008 17:48:31 +0000

Die Schlacht von Thermopylen die um 480 v. Christus stattfand, ist wie geschaffen für blindwütige Heldenverehrung. Die spartanische Palastwache unter König Leonidas stellte sich damals den ca. 200 000 Mann starken Invasionstruppen des persischen Eroberers Xerxes entgegen. Aus einem Heer von ca. 4000 Kriegern auf Seiten Spartas wurde, im Zuge der Legendenbildung, eine Truppe von nur 300 Spartanern, denen es unter Aufopferung ihres Lebens gelang den tyrannischen Aggressor lang genug aufzuhalten, bis sich der Rest Griechenlands mobilisieren konnte. Fasziniert von einer früheren Verfilmung dieser Begebenheit schuf Frank Miller (Sin City) eine auf Blut, Schweiß, Muskeln und Monstrositäten reduzierte Comicfassung der beliebten Legende über Männer die, nach Millers Worten: „das Richtige tun, weil es das Richtige ist, auch wenn es das ultimative Opfer erfordert.“ Auch Zack Snyder bleibt mit seiner akkuraten Umsetzung des Miller-Epos diesem Gedanken treu. Der Film lässt nie einen Zweifel daran, dass die 300 Spartaner die hier ein beispielloses Gemetzel veranstalten „die Guten“ sind. Und das, obwohl der Film genau erklärt, wie ein wirklich großes Kriegervolk entsteht, nämlich durch Euthanasie, Kindesmisshandlung und einer strengen Intoleranz gegenüber jeglicher Form von Diplomatie. Dabei ist es bezeichnend, dass der widerlichste Bösewicht der Story ein liberal wirkender Kriegsgegner ist, der sich natürlich als korrupter Königinnenschänder entpuppt. In erster Linie ist er allerdings ein Spielverderber, denn wenn den Jungs in diesem Film eines wirklich Freude bereitet, ist es das gemeinsame Abschlachten fremder Völker. In dieser Beziehung ist der Film allerdings ehrlicher, als die große Flut so genannter Antikriegsfilme bzw. Fernsehserien die zurzeit aus Hollywood kommen. Und hier bietet 300 dem entzückten Fan von Wahnsinn, Mord und kernigen Sprüchen auch tatsächlich eine ganze Menge. In komplett vor Bluescreen gedrehten, minutiös durchgestalteten Bildern darf man Zeuge etlicher haarsträubender Gewaltszenen werden. Jede erdenkliche Form der Verstümmelung des menschlichen Körpers wird liebevoll berücksichtigt und es werden sogar in schweißtreibender Arbeit riesige Mauern aus iranischen, äh, persischen Leichen gebaut. Ein wirklich erstaunlicher Trashfilm, der den richtigen Leuten richtig großen Spaß machen wird.

(USA 2006)

R: Zack Snyder; D: Gerard Butler, Lena Headey, Dominic West, Rodrigo Santoro

Strange Circus

blacksoap — Thu, 04 Sep 2008 17:43:34 +0000

Nachdem Geschichten über Flüche und langhaarige Rachegeister im japanische Horrorkino etwas über Gebühr beansprucht wurden, wendet man sich dort seit einiger Zeit wieder einem besonders traditionsreichen Subgenre zu: dem Ero guro. Das heißt grotesken Geschichten die auf ungewöhnliche Weise Sexualität, Perversion und Gewalt vermischen. Wie in Strange Circus.
Mitsuko, die Tochter eines strengen Schuldirektors, wird von ihrem Vater sexuell missbraucht (wichtigstes Requisit: ein Cellokasten!) und von ihrer Mutter aus Eifersucht schwer misshandelt. Das alles erfährt man aus dem neuen Buch der scheinbar gehbehinderten Bestsellerautorin Taeko die so verrückt ist, dass sie Nudeln mit der Hand verzehrt, dabei lacht und sich das Gesicht mit Soße beschmiert. Als sie den androgynen Yuji als Assistenten einstellt, beginnen die Grenzen zwischen Realität und Literatur zu verschwimmen.
Sion Sonos knallbunter Bilderreigen um Kindesmissbrauch und Persönlichkeitsverschiebung dürfte mit seiner Drastik und der wirren Struktur für viele Zuschauer eine Herausforderung darstellen. Dabei gestaltet es sich nicht gerade zum Vorteil, dass man hinter den breit ausgewalzten Tabubrüchen und der arg gewollten Seltsamkeit des Films nicht viel finden wird. Aber so ist eben das Ero-guro-Genre. Der Deckmantel gesellschaftlicher Relevanz dient ihm nur, um dem geneigten Fan mit dem hanebüchensten Unsinn die nötigen Kicks zu verschaffen.

(Jap 2005)

R + B: Sion Sono; D: Masumi Miyazaki, Issei Ishida, Rie Kuwana